El edificio, diseñado por Renzo Piano, ha sido criticado por afectar el tradicional horizonte urbano de Londres, Inglaterra.
La London Bridge Tower fue inaugurada el 5 de julio. Este rascacielos, situado al sur del río Támesis de Londres, Inglaterra, se convirtió en el edificio más alto de Europa Occidental, pues cuenta con 310 metros de altura.
La torre requirió una inversión de aproximadamente 679.3 millones de dólares (mdd), aportada por el desarrollador Irvine Sellar y el Banco Central de Qatar, el que hace poco adquirió los famosos almacenes Harrods.
El arquitecto italiano Renzo Piano fue el encargado de proyectar este inmueble de cristal, también conocido como The Shard. El diseño ha sido criticado por afectar el tradicional horizonte urbano de la capital británica.
En su defensa, Piano dijo que la construcción es una espiral que trata de ser amigable con el medio ambiente y no un símbolo de arrogancia y poder, como algunos lo han señalado.
Aunque el edificio fue inaugurado a unos días de que inicien los Juegos Olímpicos, sólo se ha concluido su exterior y aún se trabajo en el diseño interior. Se prevé que los 72 pisos que conforman este espacios de usos mixtos (área residencial, hotel, comercios, oficinas) comience a ser funcional en 2013.
Por ahora los visitantes podrán subir al mirador para gozar del privilegiado paisaje a más de 300 metros de altura, pero tendrán que pagar 25 libras (cerca de 520 pesos).
Como parte del proceso constructivo, el rascacielos requirió 11,000 paneles de cristal que almacenan y rechazan calor, lo que permite un ahorro de 30% de energía.
Una de las soluciones aplicadas por el equipo de trabajo de Renzo Piano, para resolver los enormes retos que implicó la altura de la torre, fue la construcción de modulares a ras de suelo, los los cuales fueron subidos a través de una enorme grúa.
El universo mágico es nuestra visión subjetiva de todo aquello que se cree real y objetivo. Recíprocamente, la visión subjetiva es la visión mágica en estado naciente, umbral, es decir, la magia es el comienzo y formalización de la subjetividad. La subjetividad es la materia prima de la magia y de la materialización del mundo.
Podemos descubrir la magia de las artes, reconociendo en ellas las sombras proyectadas, las estructuras mágicas del universo y la subjetividad con que fueron hechas. Los procesos de identificación-proyección, se hallan evidentemente en el corazón de la vida. Somos nosotros quienes separamos la unidad contradictoria de lo práctico y lo mágico, mientras que todos los objetos creados por el hombre existen y actúan sobre los dos registros.
La excentricidad, la falta de lógica, y la contradictoria cultura de los mexicanos, no escapa sólo al análisis de los extranjeros que se asoman a ésta realidad mágica, sino que es visible y, por haber nacido dentro de esta atmósfera, parecería que podríamos haberla comprendido. Sin embargo, la realidad nos sorprende y perturba diariamente. La personalidad que representa mejor que ninguna otra el arte fantástico que se produjo en México, es Juan O’Gorman. Pintor y arquitecto, quien ha dejado en ambas disciplinas pruebas únicas de su atracción por el mundo de la fantasía que, a primera vista, pueden parecer ligadas al surrealismo.
La mezcla estrecha entre paisaje, figuras y construcciones en la obra de O’Gorman recuerda a Jeronymus Bosch, al igual que la fusión entre imaginación, con observación profunda de su realidad. Su arte es un lenguaje donde podemos leer una visión interpretativa del mundo. La representación de la naturaleza está siempre presente en la obra de Juan O’Gorman, así como la influencia de la pintura popular, del retablo, de la imaginería del temprano renacimiento, que recuperó de la obra de los muralistas.
Imagen cortesía de Régis Lachaume
La riqueza imaginativa hay que buscarla en la intención, en la aglomeración de anécdotas y símbolos. No hay formas inhumanas, ni milagro. La fantasía la genera el conjunto, reside en la arbitrariedad de la composición, en la incoherencia de elementos dispares, en la libre interpretación de la vida. Dentro de la obra pictórica de Juan O’Gorman surge continuamente un tipo de arquitectura que se podría llamar también fantástica. Siendo arquitecto de profesión Juan O’Gorman no puede dejar de llevar la ciudad a sus cuadros. Su obra Monumento fúnebre al capitalismo industrial (1943), es una mezcla de todos los estilos arquitectónicos. Una gran montaña de maquinaria industrial mezclada con ironía, no exenta de un realismo perturbador, es un laberinto de significados, una Torre de Babel moderna.
Biblioteca Central, 1953 Fachada Norte. Foto, UNAM
Dentro del medio arquitectónico del siglo XX, no cabe duda que la figura de O’Gorman fué una de las más valiosas. Es uno de los primeros arquitectos que se aventuraron a introducir el funcionalismo en sus proyectos (casa-estudio de Diego Rivera, San Angel, México D.F.), alzándose en contra de las tradiciónes clasicistas de la época. Una vez que la ciudad de México se vió invadida por casas hechas con estos preceptos, como “máquinas para vivir”, O’Gorman se traslada al campo opuesto y se lanza hacia un tipo de arquitectura que integra elementos fantásticos y simbólicos en su concepto, combinando arquitectura, escultura y pintura.
Biblioteca Central, 1953 Fachada Sur. Foto, UNAM
En 1953 diseñó en conjunto con los arquitectos Gustavo Saavedra y Juan Martínez Velasco, la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria. Un enorme volumen rectangular desprovisto de ventanas exteriores y por dentro funcionalmente proyectado; fue recubierto en su totalidad, por un dibujo hecho en mosaico, con piedras naturales de colores provenientes de todas las partes del país.
Biblioteca Central, 1953 Fachada Norte Foto, UNAM
En el diseño de cada fachada O’Gorman desarrollo en forma didáctica-simbólica la historia de México. Por el simbolismo ahí expresado, así como por su desarrollo formal, este edificio puede ser considerado uno de los más importantes del siglo XX.
Biblioteca Central, 1953 Fachada Poniente Foto, UNAM
Si en la Biblioteca Universitaria, O’Gorman tuvo que restringir en cierta medida su imaginación, por el programa y el uso al que estaba destinado el edificio; unos años más tarde (1956) construye para el mismo una casa, la más intrépida síntesis de arquitectura-escultura-pintura con el paisaje de lava del Pedregal de San Angel. Dentro de la línea de los “inspirados” : Gaudí, Simón Rodía y el admirado Facteur Cheval (a quien O’Gorman dedica su casa).
Aprovechando una gruta ya existente, formada por la lava volcánica, la convierte en salón y alrededor de ella, construye una casa descabellada que recubre también con diseños de mosaico. Fauna del mundo mítico prehispánico, enormes cabezas humanas, figuras y formas inexistentes van levantando los muros y terminan el perfil de esta insólita construcción. Ciertos elementos como las ventanas y puertas son convencionales, desgraciadamente interrumpen el imaginario fantástico plasmado. No cabe duda que si en México podemos hablar de una arquitectura que integra lo fantástico y que al mismo tiempo, recuerda la arquitectura prehispánica, la casa de O’Gorman es el máximo ejemplo.
Con esos raptos hacia la fantasía con que mezcla la realidad, por referir el mito y lo simbólico, la obra de O’Gorman representa mejor que ninguna otra el arte fantástico que se produjo en México en el siglo XX.
Casa Habitación, 1956. Pedregal de San Angel cd. de México Foto, CMG.
Juan O'Gorman (6 de julio de 1905 – 18 de enero de 1982),[] destacado pintor y arquitecto mexicano.
O'Gorman nació en Coyoacán, en la Ciudad de México, en los años veinte estudió Arquitectura en la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México. Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, recibió la influencia de Frank Lloyd Wright y su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera fue profesor en el Instituto Politécnico Nacional donde creó la carrera de Ingeniero Arquitecto.
En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio del Banco de México, participó en la urbanización del Pedregal de San Ángel, donde construyó su propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue demolida posteriormente. En la zona del San Ángel, O'Gorman diseñó y construyó en 1931-1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos artistas, de hecho, la amistad con Diego Rivera produjo una influencia notable en su obra. Juan O'Gorman diseñó y construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México.
Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM
Su obra pictórica más celebrada mundialmente por su creatividad, técnica constructiva y dimensiones son los murales de cuatro mil metros cuadrados que recubren los cuatro vanos del edificio de la Biblioteca Central de la Ciudad Universitaria de la UNAM, obra de Gustavo Saavedra y Juan Martínez. Estos murales son mosaicos hechos con millones de piedras de colores obtenidas a lo largo y ancho de la República Mexicana. El lado norte representa el pasado prehispánico y el sur el colonial, mientras que el muro oriente el mundo contemporáneo y el poniente la universidad y el México actual.
"A la vez se preparó en uno de los pisos de acervos del edificio de la Biblioteca en obra, una mesa especial de todo el largo del acervo de 48 metros, para hacer sobre ella los precolados de concreto armado. Me transportaba a la obra en bicicleta a las 7 de la mañana, llevando mi comida para trabajar durante todo el día, y terminaba generalmente a las 9 ó 10 de la noche. Los domingos y días de fiesta también trabajaba el mismo número de horas para acelerar la terminación del mosaico en el menor tiempo posible"
Juan O'Gorman
Como pintor, destacan las obras donde plasmó en espacios públicos pasajes históricos y hechos diversos bajo un estilo particular, donde agrupaba en un momento personajes y hechos relacionados al tema de la obra, como lo hizo en los muros del Museo Nacional de Historia en el Castillo de Chapultepec, en el Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México con La conquista del aire por el hombre o en el mural El crédito transforma a México recién trasladado a la Torre HSBC. O'Gorman realizó también pintura de caballete. Fue miembro de la Academia de Artes a la cual ingresó en 1971. Fue ganador del Premio Nacional de Bellas Artes en 1972.
Obras representativas
Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
Casa Cecil O'Gorman
Biblioteca Central de la UNAM
Casa Juan O'Gorman, Ave. San Jerónimo, San Ángel 1956
Se suicidó el 18 de enero de 1982, sumido en una fuerte depresión después de ver arruinadas sus obras, y dándose cuenta que su hija adoptiva Bonnie ya no lo necesitaría. Era una vida miserable después de todo. Fue sepultado en la Rotonda de las Personas Ilustres de la Ciudad de México.
Frida Kahlo 1939 - Imagen Cortesía de Nickolas Muray
Cuando uno profundiza en el conocimiento de la obra de Frida Kahlo y tiene el privilegio de conocer su hogar, se descubre la intensa relación que existe entre Frida, su obra y su casa. Su universo creativo se encuentra en la Casa Azul, sitio en el que nació y murió. Aunque al casarse con Diego Rivera vivió en distintos lugares en la Ciudad de México y en el extranjero, Frida siempre regresó a su casona de Coyoacán.
Ubicada en la calle de Londres 247, en uno de los barrios más bellos y antiguos de la Ciudad de México, la Casa Azul fue convertida en museo en 1958, cuatro años después de la muerte de la pintora. Hoy es uno de los museos más concurridos en la capital mexicana: mensualmente recibe cerca de 25 mil visitantes, 70% de ellos extranjeros.
La llamada Casa Azul Museo Frida Kahlo es el lugar donde los objetos personales revelan el universo íntimo de la artista latinoamericana más reconocida a nivel mundial. En esta casona se encuentran algunas obras importantes de la artista: Viva la Vida (1954), Frida y la cesárea (1931), Retrato de mi padre Wilhem Kahlo (1952), entre otras.
En la recámara que Frida usaba de día permanece su cama con el espejo en el techo. Su madre lo mandó colocar después del accidente que Frida sufriera en el autobús, al regresar de la Escuela Nacional Preparatoria. Durante la larga convalecencia que la mantuvo inmóvil por nueve meses y gracias al espejo donde se reflejaba, Frida pudo retratarse.
En la cabecera de su cama permanecen los retratos de Lenin, Stalin y Mao Tse Tung; en el estudio se encuentra el caballete que le regalara Nelson Rockefeller, sus pinceles y sus libros; y en su recámara de noche se guardan la colección de mariposas, obsequio del escultor japonés Isamu Noguchi, además del retrato que le hiciera a Frida su amigo y amante, el fotógrafo Nickolas Muray.
Cada objeto de la Casa Azul dice algo de la pintora: las muletas, los corsés y las medicinas son testimonios del sufrimiento de las múltiples operaciones a las que fue sometida. Los exvotos, juguetes, vestidos y joyas hablan de una Frida coleccionista.
La casa misma habla de la vida cotidiana de la artista. Por ejemplo, la cocina –que es típica de las construcciones antiguas mexicanas, con sus ollas de barro colgadas a las paredes, y las cazuelas sobre el fogón- son testimonio de la variedad de guisos que se preparaban en la Casa Azul. Tanto Diego como Frida gustaban de agasajar a sus comensales con platillos de la cocina mexicana, prehispánica, colonial y popular.
En su comedor convivieron grandes personalidades de la cultura y destacados artistas de la época: André Breton, Tina Modotti, Edward Weston, León Trotsky, Juan O´Gorman, Carlos Pellicer, José Clemente Orozco, Isamu Noguchi, Nickolas Muray, Sergei Eisenstein, el Dr. Atl, Carmen Mondragón, Arcady Boytler, Rosa y Miguel Covarrubias, Aurora Reyes e Isabel Villaseñor, entre muchos otros.
La Casa Azul se convirtió entonces en una síntesis del gusto de Frida y Diego, y de su admiración por el arte y la cultura mexicana. Ambos pintores coleccionaron piezas de arte popular con un gran sentido estético. En particular, Diego Rivera amaba el arte prehispánico. Muestra de ello es la decoración de los jardines y el interior de la Casa Azul, donde se muestran algunas piezas realmente bellas.
El hogar de Frida se convirtió en museo porque tanto Kahlo como Rivera abrigaron la idea de donar al pueblo de México su obra y sus bienes. Diego pidió a Carlos Pellicer, poeta y museógrafo, que realizara el montaje para abrirlo al público como museo. Desde entonces, la atmósfera del lugar permanece como si Frida habitara en él.
En la Casa Azul también vivió Diego Rivera por largas temporadas. El muralista acabó por comprar la casa, al pagar las hipotecas y deudas que Guillermo Kahlo había contraído. Este último había sido un fotógrafo relevante durante el Porfiriato, venido a menos después de la Revolución. Además, los múltiples gastos médicos generados por Frida después del accidente endeudaron a la familia.
La casona, que data de 1904, no era un lugar de grandes dimensiones. Hoy tiene una construcción de 800 m2 y un terreno de 1200 m2. De acuerdo con la historiadora Beatriz Scharrer, el padre de Frida, Guillermo Kahlo -húngaro-alemán de nacimiento- construyó la casa a usanza de la época: un patio central con los cuartos rodeándolo, el exterior era totalmente afrancesado. Fueron Diego y Frida quienes, más tarde, le dieron un estilo muy particular y, al mismo tiempo, le imprimieron -con colores y decoración popular- su admiración por los pueblos de México.
Beatriz Scharrer explica que, con el tiempo, la construcción sufrió algunas modificaciones: cuando el político ruso León Trotsky vivió con Diego y Frida en el año 1937, se tapiaron las paredes, los muros se pintaron de azul y se compró el predio de 1,040m2 que hoy ocupa el jardín, a fin de darle al intelectual soviético seguridad ante la persecución de que era objeto por parte de José Stalin.
En 1946 Diego Rivera le pidió a Juan O’Gorman la construcción del estudio de Frida. Diego propuso utilizar materiales de la zona: piedra volcánica o basalto, representativo por haber sido utilizado por los aztecas para construir pirámides y tallar sus piezas ceremoniales. El estudio adquirió, además de un estilo funcionalista, un decorado con objetos de arte popular mexicano. En esta zona de la casa, Diego colocó los plafones con mosaicos y llenó las paredes de caracoles de mar y jarros empotrados con la boca al frente, para servir de palomares.
El ojo del arquitecto: 'Arquitectura vista a través de sus creadores', lo hacen a través de una colectiva integrada por 48 fotografías inéditas...
CIUDAD DE MÉXICO.- Del 4 al 23 de julio, un total de 48 imágenes en las que se aprecian varios proyectos arquitectónicos, entre ellos, algunos ubicados en Santa Fe, Oaxaca, Texcoco y Aguascalientes, integran la muestra "El ojo del arquitecto. Arquitectura vista a través de sus creadores", Exposición inaugurada.
En el acto, la directora del Circuito de Galerías Abiertas de la Secretaría de Cultura capitalina, Alejandra Gilling, comentó que se trata de "un delicioso recorrido visual por destacados ejemplos de arquitectura contemporánea, fotografiados por sus propios creadores".
La exhibición, agregó, forma un binomio que se enriquece y se ha consolidado con el paso del tiempo, al grado que es difícil pensar en la arquitectura sin la estructura de la ciudad y ésta a su vez, resulta indescifrable sin la arquitectura.
De eso trata esta exposición, de celebrar la arquitectura y la ciudad que son: dos caras de una misma moneda que no pueden separarse, indicó Gilling.
En la exposición se muestran imágenes inéditas tomadas personalmente por los arquitectos y las firmas Arditti y RDT Arquitectos, Serrano Monjaraz Arquitectos, TALLER (Mauricio Rocha y Gabriela Carrillo), Idea Asociados, Pascal Arquitectos, Muñoz Arquitectos, BGP Arquitectura y Rivadeneyra Arquitectos.
De acuerdo con los organizadores, el objetivo de presentar esta serie de imágenes es comunicar al público la manera en la que los arquitectos observan los volúmenes y la luz, así como exponer sus proyectos más representativos.
Lo anterior a fin de que los espectadores tengan más conocimiento sobre el trabajo que día a día realizan los arquitectos para darle color y movimiento a las ciudades.
Las fotografías mostradas son edificios construidos en México, como el Corporativo Telefónica, el Corporativo Banorte, ambos en Santa Fe; el Museo de la Memoria y Tolerancia y el Senado de la República en la Ciudad de México; el hotel Marriot en Aguascalientes y el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario en el Estado de México.
Organizada por una empresa privada, con el apoyo de una reconocida fábrica holandesa de cortinas y productos arquitectónicos, y el respaldo de la Secretaria de Cultura capitalina, esta muestra podrá ser admirada hasta el 23 de julio próximo, entre la Glorieta de la Palma e Insurgentes.
Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) Arquitecto, Urbanista y Diseñador alemán.
Vida
Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 (año de su matrimonio con Alma Mahler) se dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.
Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios, muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.
A partir de 1926,Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.
La Bauhaus: “Das Staatliches Bauhaus”
Walter Gropius, en Weimar (Alemania). Funda en 1919 una escuela de diseño, arte y arquitectura. Antes de la primera guerra mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño industrial. Al finalizar la guerra, Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.
Walter Gropius llamó a la nueva escuela "Das Staatliches Bauhaus". El mismo edificio construido para la escuela manifiesta, los valores más representativos de La Bauhaus. Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la función" La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano enaltecido.
Obra
En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.
Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello, Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.
Torre PanAm
Obras representativas
Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, Alemania)
Ciudad Gropius (Berlín)
Torre PanAm (Nueva York)
Universidad de Bagdad(Bagdad)
Edificios Packaged House System (Lincoln, Massachusetts)
Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der Leine, Alemania)
Casa Gropius (1938)
Fábrica de zapatos Fagus
Relación cronológica de sus proyectos
1911-1925 Fábrica Fagus, Alfeld an der Leine, Alemania.
1914 Edificios de oficinas y fábricas en el Werkbund, Colonia, Alemania.
1920-1921 Casa Sommerfeld, Berlín, Alemania
1920-1922 Monumento Memoria Víctimas Golpe Estado de Kapp, Weimar, Alemania.
1922 Proyecto Chicago Tribune Tower, Chicago, EE. UU.
1924 Casa Auerbach, Jena, Alemania.
1925-1926 Edificio de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1925-1926 Casas de los maestros de la Bauhaus, Dessau, Alemania.
1926-1928 Colonia Törten, Dessau, Alemania.
1927 Proyecto Teatro total.
1927-1929 Oficina de empleo, Dessau, Alemania.
1928-1929 Colonia Dammerstock, Karlsruhe, Alemania.
1929-1930 Colonia Siemensstadt, Berlín, Alemania.
1934 Sección de metales no férreos Exposición "Deutsches Volk - Deutsche Arbeit", Berlín, Alemania.
1935-1936 Casa Ben Levy, Londres, Reino Unido.
1938 Casa Gropius, Lincoln, EE. UU.
1948-1950 Graduate Center de la Universidad de Harvard, Cambridge, EE. UU.
1955-1957 Bloque de viviendas en la Interbau, Berlín, Alemania.
1958-1963 Pan Am Airways Building (Met Life Building), Nueva York, EE. UU.
1967-1970 Fábrica de vidrio Thomas, Amberg, Alemania.
1976-1979 Archivos de la Bauhaus, Berlín, Alemania.
Breuer House
Ford House
Händelallee Apartment House
En 1954 le fue conferido en San Pablo el primer "Gran Premio de Arquitectura", y en 1956, en Londres, la Medalla de Oro de la Arquitectura.
A los 35 años, ya se había convertido en un conocido arquitecto, especialmente antes de que el término "funcional" fuera inventado, Gropius ya le había dado un contenido estético a la construcción funcional
Se ha dicho que Gropius "combinaba el fervor moral del reformista (...) con la apertura de mente de un científico y la eficiencia de un explorador." Creó un ambiente propicio para que crecieran nuevas ideas y por lo tanto hizo que el llamado Salón de Arte de Europa muriera definitivamente.
Del 2 al 22 de julio los museos de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) abrirán sus puertas de manera gratuita a los visitantes por primera ocasión, según informó la Coordinación de Difusión Cultural del Alma Máter.
Asimismo, durante esta temporada de vacaciones, la UNAM ha preparado un programa de exposiciones, conferencias, cursos, talleres y visitas guiadas para niños, adolescentes y adultos en los espacios del Museo Universitario del Chopo, Museo Experimental El Eco, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Antiguo Colegio San Ildefonso, Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), y Museo Universitario de Ciencias y Arte de la Colonia Roma (MUAC-Roma).
La Dirección General de Artes Visuales mantendrá abierto el MUAC con la exposición Ensayo de la vacuidad, del artista Alberto Cerro en el Espacio de Experimentación Sonora (EES), adaptación de la base aural realizada por este artista en 2010 para la primera escena de la coreografía Desierto de sillas, de Karina Bosche.
Ensayo de la vacuidad hace referencia a la nada y a la construcción de un todo por medio de sonidos continuos y texturizados que manifiestan al silencio. Éste funciona como catalizador que intenta evocar en el escucha imágenes de soledad y vacío existencial.
También estará en exhibición Deseando lo real. Austria Contemporánea, curaduría de Karin Zimmer, integrada por obras de 22 artistas austriacos que colocan la noción de realidad en el centro de su práctica y exploran distintos modelos para su representación. La muestra aborda lo real desde diversas ópticas: como experiencia subjetiva, como puesta en escena y también como búsqueda de soluciones y espacios alternativos contrapuestos a las concepciones convencionales de la realidad.
Con la muestra Nicolás Paris: ejercicios de resistencia, el MUAC inaugura una nueva propuesta de trabajo que establece una relación directa entre el programa curatorial de exposiciones y el departamento de programas públicos, lo que permite ampliar el campo de reflexión, estudio y acción sobre las relaciones entre museo, experiencia y conocimiento. El principio es generar con los artistas invitados un proceso de investigación pedagógica y actividades por etapas.
Los ejercicios de resistencia que ocurrirán en una arquitectura diseñada específicamente por el artista para las salas 7 y 8 proponen cuatro ejes de trabajo dirigidos a diversas audiencias: escuela de mediación, escuela para profesores, laboratorios y para exposiciones.
Por otra parte, el Centro de Documentación Arkeia, presenta Circuito abierto: dos experiencias editoriales. Fondo Felipe Ehrenberg como parte de un programa de exposiciones que tiene como fin reactivar los materiales documentales, así como crear un espacio de experimentación curatorial y generador de conocimiento, en torno del Fondo Felipe Ehrenberg (agregado cultural de México en Brasil), bajo la curaduría de Martha Hellion y Magali Lara.
El museo contará con un programa de cursos que incluyen Taller libro de artista, La poética del espacio y Visiones del Arte. Segunda Edición. El MUAC se encuentra en avenida Insurgentes Sur 3000, Centro Cultural Universitario, y está abierto los miércoles, viernes y domingos de 10:00 a 18:00 horas; jueves y sábado de 12:00 a 20:00 (ver http://www.muac.unam.mx/).
MUAC Roma, El Eco y CCU Además, el Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma (MUAC-Roma) permanecerá abierto al público con la exhibición Tiempo muerto. Economías del deseo, de Juan Pablo Macías, donde el artista explora la relación entre sistema de representación y afectividad, bajo la curaduría de Michel Blancsubé, con una serie de obras efectuadas entre 2005 y 2012 (El MUAC Roma se encuentra en Tonalá 51, esquina Colima, colonia Roma; abre de martes a domingo de 10:00 a 18:00 horas.
El Museo Experimental El Eco mantendrá expuesta Archivo Vivo, muestra permanente que incluye materiales históricos e información sobre el concepto original y el desarrollo de El Eco por Mathias Goeritz y Daniel Mont.
A la vez, exhibe la muestra La carga de Carmela Gross (Sao Paulo, 1946), quien comenzó a trabajar desde la década de los sesenta cuando Brasil se halló bajo la dictadura militar. Desde el inicio de su carrera, Gross ha producido obras que exploran situaciones sociales, dirigiendo una crítica hacia cuestiones políticas. Este compromiso atraviesa toda su producción, y es posible vislumbrar tal en su producción actual, primera muestra de esta artista en México, que consiste en emplazar en El Eco la obra emblemática de Gross: A Carga (La carga, 1968). La pieza establece un diálogo formal y conceptual con el espacio del museo y activa una serie de operaciones estéticas y un diálogo relacionado con el legado del modernismo en América Latina (El Eco se ubica en la calle de Sullivan 43, en la colonia San Rafael; abierto de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas).
En cuanto al Centro Cultural Universitario Tlatelolco, éste permanecerá abierto durante el período de vacaciones en horario normal, para que el público en disfrute de las exposiciones que ofrece en el Museo de Tlatelolco, Memorial del 68 y el Museo Colección Blaisten.
En la sala de exposiciones temporales del Memorial del 68 se exhibirá la muestra del fotógrafo zacatecano Pedro Valtierra: Mirada y testimonio, que presenta algunas de las facetas más relevantes del fundador de “CuartOscuro”. La muestra recupera la lógica de trabajo del autor, el diálogo con algunos fotógrafos, periodistas y editores de distintos medios, y la construcción de algunas fotografías emblemáticas para América Latina.
El Memorial del Movimiento Estudiantil de 1968 va sustentado por material de cine, video, fotografía y audio, así como por objetos y documentos que permiten acercarse y comprender de mejor forma este acontecimiento histórico para México. Aparte, permanecerá abierto el Museo de Tlatelolco, que exhibe piezas prehispánicas originarias del sitio arqueológico de Tlatelolco, así como obras pertenecientes a la Colección Stavenhagen provenientes de distintas regiones de México, proyecto conjunto de la UNAM y el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH).
Es importante señalar que el Museo Colección Blaisten alberga en sus instalaciones la más completa colección de arte moderno de México en el mundo, con obras Diego Rivera, María Izquierdo, Rufino Tamayo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Dr. Atl, entre otros.
Entre las actividades especiales destacan exposiciones, cursos, talleres, visitas guiadas y el Foro Alterno de la Cineteca Nacional, amén del ciclo de conferencias Discusiones circulares por la Fundación/Colección Jumex y el Goethe Institute, impartidas por Johannes Stüttgen, bajo el siguiente programa: El arte, miércoles 11 de julio, 10:00 a 13:00 horas. La libertad, miércoles 11 de julio, 15:00 a 19:00 horas. La tripartición Social, jueves 12 de julio, 10:00 a 13:00 horas. La plástica social, jueves 12 de julio, 15:00 a 19:00 horas. El dinero, viernes 13 de julio, 10:00 a 13:00 horas. (Cupo limitado y acceso sólo con registro previo Informes: 57 75 81 88 extensión 119 y en la página web www.tlatelolco.unam.mx; el CCU Tlatelolco se encuentra en Ricardo Flores Magón 1, Nonoalco Tlatelolco, abierto de martes a domingo, de 10:00 a 18:00 horas).
Museo del Chopo El Museo Universitario de El Chopo también mantendrá sus exposiciones abiertas gratuitamente al público del 2 al 22 de julio: Medios y ambientes; Festival Internacional por la Diversidad Sexual Bodas de Plata, Naturaleza Muerta y Por mi espíritu, hablarán mis trajes, ésta última de la cantante y actriz quintanarroense Astrid Hadad.
Medios y ambientes en la Galería Sur muestra ocho instalaciones de artistas latinoamericanos elaboradas in situ por Ángela Bonadies, Magdalena Fernández, Charles Juhasz-Alvarado, Irene Clouthier, Liliana García Roig, Nadia Collazo y el colectivo Guerra de la Paz. Para la Galería Helen Escobedo y el Foro del Dinosaurio Juan José Gurrola se exhibe la muestra multidisciplinaria Festival Internacional por la Diversidad Sexual Bodas de Plata, que recoge la tradición de la semana cultural lésbico gay, con un salón de invitados en su XXV aniversario.
Naturaleza Muerta, del artista Pablo Szmulewicz en la Galería Alternativa, aborda el problema de la violencia manifiesta desde una estética pictórica y su dimensión ética. Finalmente, Por mi espíritu, hablarán mis trajes, de la cantante Astrid Hadad, exhibida en las Galería Rampa 1 y 2, hace un recorrido por la indumentaria con la que la también actriz dramática ha acompañado sus presentaciones, misma que se han caracterizado por retratar varios aspectos de México con un aire crítico hacía todo aquello que folkloriza la identidad del país.
El Museo Universitario del Chopo se encuentra en la calle de Dr. Enrique González Martínez 10, colonia Santa María La Ribera y estará abierta de martes a domingo de 10:00 a 19:00 horas.
San Ildefonso En cuanto al Antiguo Colegio de San Ildefonso, éste abrirá sus puertas para las exhibiciones La lengua de Ernesto. Obras 1987–2011, Bosco Sodi: Croacia y Johan Falkman. La alteridad en el espejo.
La lengua de Ernesto es una muestra lúdica, sensorial y vivencial, en la que el visitante puede tocar y ser parte de la obra, disfrutando de un viaje estimulante para todos los sentidos. Conformada por piezas producidas entre los años 1987-2011, se exponen esculturas, instalaciones, fotografías y dibujos en curaduría a cargo de Adriano Pedrosa y producción original para el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO).
Croacia, del artista mexicano Bosco Sodi, ofrece siete obras de la serie homónima que produjo en 2011. Las pinturas se caracterizan por narrar pasajes espirituales y emotivos (concluye el domingo 15 de julio). Por primera vez en México se expone la obra del pintor sueco Johan Falkman en una exposición conformada por más de 90 retratos realizados entre 2003 y 2012, que dan cuenta de la actual sociedad sueca.
Médicos, intelectuales, artistas, nobles, aristócratas, hombres de negocios y familias despliegan un abanico de contenidos y significados que le permitieron a Falkman actualizar el género del retrato y el estilo expresionista en la pintura. La exposición fue curada por Leticia López Orozco, investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, y culmina el domingo 15 de julio.
Entre las actividades especiales del museo destaca el curso de verano Capturando la neta del arte. Curso de fotografía para niños y otro para jóvenes, en donde los asistentes aprenderán a manejar la cámara, conocer sus funciones y realizar tomas gráficas con los momentos más emocionantes de su experiencia, en la exposición multisensorial La Lengua de Ernesto. Obras 1987–2011. Dicha actividad se realiza en colaboración con Lumix Photo Academy de Panasonic de México.
Ubicado en la calle de Justo Sierra 16 en el Centro Histórico, el Antiguo Colegio de San Ildefonso estará abierto los martes de 10:00 a 19:30 horas y de miércoles a domingo de 10:00 a 17:30. Cuota de recuperación 45 pesos. Descuentos: Estudiantes y maestros con credencial vigente y tarjetahabientes Poder Joven 22.50 pesos (mayores informes en el teléfono 5789 2505).
Por último, la Coordinación de Difusión Cultural brinda una alternativa virtual a través del podcast Descarga Cultura (UNAM Cultura), donde se pueden adquirir de manera gratuita conferencias, poesía, lecturas, música y teatro, entre otros productos culturales (para poder escuchar en cualquier lugar gracias al portal www.descargacultura.unam.mx y ver toda la cartelera en:
La Casa del Lago Juan José Arreola de la UNAM, en el Bosque de Chapultepec, permanecerá cerrada durante el mes de julio por trabajos de mantenimiento.
